This new exhibition of Robert Hromec’s bold, energized, mixed-media work consists of six large rectangular paintings, each made upon an exceptionally large aluminum plate 1 meter high by 2 meters long. Additionally there are eight paintings half that size (also on aluminum plate), with dimensions of 1 meter squared. Four of the six large-scale paintings feature a square, gray-colored printed plate (25 x 25 centimeters) attached to the painting in a way that makes it appear to float above the painting’s surface; each added-on plate features images of hands. Several of the square paintings, meanwhile, feature a solid aluminum rectangle (6 x 6,5 x 2,5 centimeters) attached to their surface. These aluminum rectangles inspired the title of the exhibition, for the artist has imagined his painting as a sort of time capsule reflective of the experience of life in today’s world, one that will carry vital information about our present-day reality to the next generation.

During the 20th century, time capsules of various sorts (usually made of metal boxes) were buried or otherwise secured within building structures. They contained a selection of objects

considered typical or indicative of their time. They were created so that the objects included in the box would be discovered, examined, and studied by future generations. The practice of creating time capsules was particularly popular during mid-century, when interest in the lives of generations to come and of other life forms and other universes was particularly strong; in fact, a number of these time capsules were sent into outer space.

The glistening metal that Hromec uses in his paintings carries the suggestion of that bright and shiny future fantasy. In that sense his paintings are of this technological moment and, at the same time, futuristic. They are also arguably “retro” in that this use of aluminum recalls the styles, fashions, and product designs of the 1950s and 60s, a period of great social optimism and excitement about the future.

While Hromec’s work is in mixed media — he combines painting and collage with various sorts of intaglio printmaking techniques — surely the most striking aspect of the work is his choice of highly polished aluminum as his “canvas.” His background in lithography and intaglio has allowed him to engage in this new form of mixed-media art-making with a consummate knowledge of that unusual material, aluminum, which is the basis of his work. He sands his plates, scratches his plates, drills his plates, and often buffs, gouges, and stamps them with various tools. Similarly his life work in graphic design endows his paintings with a solid compositional structure and a bold color sense. In its formal sophistication, innovative use of materials, and atmospheric vitality, the work questions traditional painting even as it adheres to two different traditions — printmaking and painting.

“For me the use of aluminum plate as a base for the painting adds depth to the painting, brings light, illusion, reflection, another dimension, luminosity,” Hromec says. “With all these attributes, [the aluminum plate] helps to communicate with the viewer and at the same time with the painting itself.”

Hromec’s work is for the most part resolutely abstract, but even so, in the larger horizontal works, Hromec notes that their horizontality “evokes [the] landscape quality of the painting. Also, I think, it generates the narrative feeling of the painting. You read the painting from left to right, or in the opposite direction.” He adds that “the horizontal [dimensions] help light and ‘time’ to flow inside the painting.”

Time, then, is not just being referenced through the basic material used in the work (aluminum) but also through the some of the work’s dimensions (that is, the rectangular format of the larger paintings). Because the eye and mind travel differently across a horizontal format, time itself becomes an aspect of the visual experience of the work.

The greatest tension a viewer experiences in these paintings is between the invitation to experience the painting as some kind of representation — landscape or interior — and the paintings’ own resolute abstraction. Their brilliant color, gouged-out surfaces, and popped-out panels make the first impression of this mixed-media painting series primarily of paint, metal surface, metal applied overlay, as well as of the various complicated processes (both painterly and metallurgic) through which the artist has brought them together into a unified whole.

The one recognizable image in the series is, tellingly, a hand. Hromec considers the image of the hand an important symbol, and at the same time sees the hand as the most essential of tools. His portrayal of the hand always consists of multiple images, suggesting its inherent dynamism. “There are always few hands overlapping that are visible,” Hromec says. “With a touch of hand you were born, lovers are caressing their bodies with hands, you shake hands when confirming an agreement. You can kill, turn, and explain by gesture. You touch. You close the eyes at the time of death using a hand.” The Abstract Expressionists of the 1950s evoked human presence in their paintings through “the vital gesture,” and Hromec revisits that notion through his own gestural work, both in the application of paint and in the manipulation of metal. But he reinforces that presence quite distinctly through imagery of the hand at work.

In reflecting on this new series of paintings, Hromec looks back to an experience he had during the Museum of Modern Art’s exhibition Seven Master Printmakers: Innovations In the 1980s, which he saw in new York in 1991. Robert Rauschenberg’s large-scale prints in that exhibition were particularly striking, but Hromec was also taken with the brilliant large-scale work of Frank Stella, Jim Dine, David Hockney, Jasper Johns, Roy Lichtenstein and James Rosenquist. With all of these artists, the work was distinguished by monumental scale and intense coloration — both of which had been made possible by technological advances (in metallurgy and in ink-making) made over the last decade, leading to expanded size of plates and printing presses, and new, brighter, clearer inks. Moreover, many of the artists were now using handwork on these finished works — essentially improving upon the printing process through hand coloring, drawing, scuffing, and the use of collage. In each instance, these artists were working closely with intuitive and innovative printers who facilitated the works’ creations.

Hromec, by comparison, does not work with printmakers. He is the printmaker. He is also the painter and mixed-media artist. And although he utilizes a number of printmaking techniques in the creation of the work — gouging into and abrading the plate through mechanical means — he makes the most radical departure of all from printmaking: He does not, in the end, run his plates through a printing press. Rather, the plate itself becomes the “canvas,” and each work stands alone as a unique work of art. The result is a spirited interaction between traditional printmaking techniques and painterly, free-flowing, mixed-media image-making.

In the creation of the Time Capsule series, Hromec seems to suggest that to live in our time is to live without certainty. In art as in politics, the old orders are breaking down, and a new, definitive order is yet to emerge; we exist, for the moment, in tension and chaos. But in this moment of destabilization there is also a great opportunity for the individual hand and mind to explore with far more freedom, and find beauty in new ways.

Rick Kinsel
New York, 2017

RICK KINSEL: ROBERT HROMEC’S INSIDE A TIME CAPSULE (IT)

Questa nuova mostra delle audaci e dinamiche opere mixed-media di Robert Hromec comprende sei grandi dipinti rettangolari, ciascuno realizzato su una lastra di alluminio eccezionalmente ampia, alta 1 metro e lunga 2 metri. Vi sono inoltre otto dipinti di formato dimezzato (anch’essi su lastra di alluminio), con dimensioni pari a 1 metro quadrato. Quattro dei sei dipinti in grande formato presentano una placca quadrata di colore grigio (25 x 25 centimetri) applicata in modo da sembrare sospesa sulla superficie pittorica; ciascuna di queste placche aggiuntive reca immagini di mani. Alcuni dei dipinti quadrati, invece, recano un parallelepipedo di alluminio solido (6 x 6,5 x 2,5 centimetri) fissato alla superficie. Sono stati proprio questi parallelepipedi di alluminio a ispirare il titolo della mostra, poiché l’artista ha immaginato la propria pittura come una sorta di “capsula del tempo,” capace di riflettere l’esperienza della vita nel nostro mondo odierno e di trasmettere informazioni essenziali riguardo la realtà presente alle prossime generazioni.

Nel corso del XX secolo, vari tipi di capsule del tempo (solitamente scatole di metallo) venivano seppellite o conservate all’interno di strutture edilizie. Contenevano una selezione di oggetti ritenuti emblematici o significativi del loro periodo. L’obiettivo era che tali oggetti, inseriti nella scatola, fossero poi scoperti, analizzati e studiati dalle generazioni future. Questa pratica era particolarmente popolare verso la metà del secolo, quando l’interesse per la vita delle generazioni a venire, per altre forme di vita e per altri universi era particolarmente forte; alcune di queste capsule del tempo furono addirittura inviate nello spazio.

Il metallo scintillante che Hromec utilizza nei suoi dipinti richiama la fantasia di un futuro luminoso e splendente. In tal senso, le sue opere appartengono pienamente a questa era tecnologica e, allo stesso tempo, guardano al futuro. Presentano anche un aspetto “retrò,” poiché l’uso dell’alluminio rimanda agli stili, alle mode e al design di prodotto degli anni Cinquanta e Sessanta, un periodo caratterizzato da grande ottimismo sociale ed entusiasmo verso ciò che il futuro potesse offrire.

Sebbene l’opera di Hromec sia di tipo mixed-media — egli combina infatti pittura e collage con diverse tecniche di stampa a incavo — l’aspetto più sorprendente è senz’altro la scelta dell’alluminio, lucidato a specchio, come suo “supporto.” Il bagaglio formativo dell’artista nella litografia e nell’incisione gli ha consentito di intraprendere questa nuova forma di arte mixed-media con una profonda conoscenza di questo insolito materiale, l’alluminio, che è la base del suo lavoro. Carteggia, scalfisce, fora le lastre e spesso le lucida, le incide e le timbra con diversi utensili. Analogamente, la sua attività professionale nel graphic design dona ai dipinti una struttura compositiva solida e un uso audace del colore. Per la sua sofisticazione formale, l’uso innovativo dei materiali e l’atmosfera carica di vitalità, quest’opera mette in discussione la pittura tradizionale, pur attingendo a due diverse tradizioni — quella della stampa d’arte e quella pittorica.

«Per me, usare una lastra di alluminio come base per il dipinto aggiunge profondità, porta luce, illusione, riflessione, un’altra dimensione, luminosità», spiega Hromec. «Con tutte queste qualità, [la lastra di alluminio] aiuta a comunicare sia con lo spettatore sia con il dipinto stesso.»

Le opere di Hromec sono prevalentemente astratte; tuttavia, per quanto riguarda i lavori di grande formato orizzontali, l’artista osserva che la loro orizzontalità «evoca il carattere paesaggistico del dipinto. In più, credo generi un senso narrativo nella composizione. Si “legge” il dipinto da sinistra a destra, o viceversa.» Aggiunge inoltre che «il formato orizzontale permette alla luce e al ‘tempo’ di fluire all’interno del dipinto.»

Il richiamo al tempo, dunque, non si limita al materiale di base (l’alluminio), ma si riflette anche in alcune dimensioni dell’opera (ovvero il formato rettangolare dei dipinti più grandi). Poiché l’occhio e la mente seguono uno sviluppo differente su un formato orizzontale, il tempo stesso diviene un aspetto cruciale dell’esperienza visiva.

La tensione maggiore che lo spettatore prova di fronte a queste opere sta nella dialettica tra l’invito a fruirle come una sorta di rappresentazione — di un paesaggio o di un interno — e la loro risoluta astrazione. I colori intensi, le superfici incise in profondità e le placche sporgenti conferiscono immediatamente a questa serie di dipinti mixed-media un forte impatto, percepibile soprattutto nei contrasti tra pittura, superficie metallica, sovrapposizioni di metallo e vari processi complessi (pittorici e metallurgici) con cui l’artista ha dato forma a un insieme armonico.

L’unica immagine riconoscibile nella serie è, in modo molto significativo, una mano. Per Hromec la mano rappresenta un simbolo importante e, al contempo, lo strumento essenziale per eccellenza. La sua raffigurazione della mano comprende sempre più immagini sovrapposte, a suggerire la dinamicità intrinseca del gesto. «Si vedono sempre alcune mani in sovrapposizione», precisa. «Con il tocco di una mano nasciamo, gli amanti si accarezzano con le mani, ci si stringe la mano per confermare un accordo. Con le mani si può uccidere, voltarsi e spiegare a gesti. Tocchiamo. Chiudiamo gli occhi di chi muore con la mano.» Negli anni Cinquanta gli espressionisti astratti evocavano la presenza umana attraverso il “gesto vitale,” e Hromec rielabora tale concetto con il proprio lavoro gestuale, sia nell’applicazione della pittura sia nella manipolazione del metallo. In più, accentua tale presenza inserendo in maniera esplicita l’immagine della mano in azione.

Ripensando a questa nuova serie, Hromec rievoca un’esperienza vissuta durante la mostra del Museum of Modern Art Seven Master Printmakers: Innovations in the 1980s, visitata a New York nel 1991. In quell’occasione, rimase particolarmente colpito dalle stampe di grande formato di Robert Rauschenberg, così come dalle opere imponenti di Frank Stella, Jim Dine, David Hockney, Jasper Johns, Roy Lichtenstein e James Rosenquist. Di questi artisti ammirava soprattutto la dimensione monumentale e l’intensità cromatica — rese possibili dai progressi tecnologici (nella metallurgia e nella produzione di inchiostri) dell’ultimo decennio, che avevano condotto all’ingrandimento delle lastre e delle presse da stampa, nonché a inchiostri più vividi e luminosi. Inoltre, molti di essi intervenivano a mano sulle opere finite — migliorando il processo di stampa con colorazioni manuali, disegni, abrasioni e l’uso di collage. In ogni caso, tali artisti collaboravano a stretto contatto con stampatori sensibili e innovativi, che contribuivano alla creazione dei loro lavori.

Hromec, al contrario, non lavora con altri stampatori. È lui stesso a svolgere quel ruolo, nonché a essere pittore e artista mixed-media. E sebbene utilizzi diverse tecniche di stampa a incavo per realizzare le proprie opere — incidendo e abrasedo le lastre attraverso metodi meccanici — compie l’allontanamento più radicale dal procedimento tradizionale, poiché alla fine non fa passare le sue lastre attraverso il torchio. Invece, la lastra stessa diventa la “tela,” e ogni lavoro esiste come opera d’arte unica. Il risultato è un vivace dialogo tra le tecniche di stampa tradizionali e l’approccio più libero e pittorico tipico del mixed-media.

Nella creazione della serie Time Capsule, Hromec suggerisce che vivere nella nostra epoca significhi vivere nell’incertezza. Nell’arte come nella politica, i vecchi ordini si stanno sgretolando e un nuovo ordine definitivo deve ancora emergere; per ora, esistiamo in un clima di tensione e caos. Eppure, in questa fase di destabilizzazione, si schiude anche una grande opportunità per la mano e la mente del singolo di esplorare con maggiore libertà e di trovare nuove modalità per contemplare la bellezza.

Rick Kinsel
New York, 2017

RICK KINSEL: ROBERT HROMEC – INSIDE A TIME CAPSULE (SK)

Táto nová výstava odvážnych, energických, mixed-media diel Roberta Hromca pozostáva zo šiestich veľkoformátových obdĺžnikových obrazov, z ktorých každý vznikol na mimoriadne veľkej hliníkovej platni s rozmermi 1 x 2 metre. Okrem nich je vystavených aj osem obrazov o polovicu menších (tiež na hliníku) s rozmermi 1 x 1 meter. Štyri z týchto šiestich veľkoformátových diel obsahujú štvorcovú sivú potlačenú platňu (25 x 25 cm) pripevnenú tak, aby vyzerala, že sa vznáša nad povrchom maľby; na každej z týchto pridaných platní sú zobrazené motívy rúk. Viaceré zo štvorcových obrazov zas obsahujú masívny hliníkový hranol (6 x 6,5 x 2,5 cm) pripevnený na povrchu. Práve tieto hliníkové hranoly inšpirovali názov výstavy, pretože umelec si svoj obraz predstavuje ako akúsi časovú kapsulu, odzrkadľujúcu životnú skúsenosť v dnešnom svete, ktorá ponesie dôležité informácie o našej súčasnej realite pre budúce generácie.

Počas 20. storočia sa všemožné formy časových kapsúl (zvyčajne vo forme kovových schránok) buď pochovávali do zeme, alebo sa inak ukrývali v základoch stavieb. Obsahovali výber objektov, ktoré sa považovali za typické či výpovedné pre svoju dobu. Zmyslom bolo, aby tieto predmety v budúcnosti ľudia objavili, preskúmali a študovali. Najmä v polovici storočia, keď vládol silný záujem o život budúcich generácií či dokonca o iné formy života a iné vesmíry, sa táto prax tešila obľube; niektoré z týchto kapsúl sa dokonca poslali aj do vesmíru.

Lesklý kov, ktorý Hromec používa vo svojich obrazoch, nesie istý nádych tejto jasnej a trblietavej vízie budúcnosti. V tomto zmysle sú jeho maľby produktom dnešnej technologickej doby a zároveň pôsobia futuristicky. Takisto by sme ich mohli nazvať aj „retro“, pretože použitie hliníka pripomína štýly, módu a produktový dizajn 50. a 60. rokov minulého storočia – obdobia plného spoločenského optimizmu a nadšenia pre budúcnosť.

Hromecove diela sú mixed-media – spájajú maľbu, koláž a rozličné druhy hĺbkotlačových techník. Najvýraznejším prvkom je však nepochybne to, že si za „plátno“ zvolil vysoko leštený hliník. Vďaka svojmu zázemiu v litografii a hĺbkotlači mohol pristúpiť k tejto novej forme mixed-media s dôkladnou znalosťou tohto netradičného materiálu, hliníka, ktorý je základom jeho tvorby. Platne brúsi, ryje, vŕta, často ich leští, vyškrabuje a razí do nich rôznymi nástrojmi. Okrem toho mu jeho skúsenosti s grafickým dizajnom umožňujú vytvárať diela s pevnou kompozičnou stavbou a odvážnym farebným cítením. Vo svojej formálnej prepracovanosti, inovatívnom použití materiálov a energickej atmosfére diela spochybňujú tradičnú maľbu, zároveň však nadväzujú na dve rôzne tradície – tlač a maľbu.

„Použitie hliníkovej platne ako podkladu pre maľbu podľa mňa dielu pridáva hĺbku, prináša svetlo, ilúziu, odraz, ďalší rozmer a jas,“ hovorí Hromec. „Vďaka týmto vlastnostiam [hliníková platňa] komunikuje s divákom a zároveň so samotnou maľbou.“

Hromecove práce sú vo veľkej miere odhodlane abstraktné, no aj tak pri väčších horizontálnych formátoch autor spomína, že ich šírka „vyvoláva krajinársky charakter maľby. Zároveň podľa mňa umocňuje v diele dojem príbehu. Maľbu čítate zľava doprava alebo naopak.“ Dodáva, že „práve horizontálna poloha [formátu] pomáha prenikať svetlu a ‘času’ dovnútra obrazu.“

Čas sa teda nespomína len prostredníctvom samotného materiálu (hliníka), ale aj cez rozmery niektorých diel (t. j. obdĺžnikový formát väčších malieb). Keďže oko a myseľ pri horizontálnom rozmere diela po ňom cestujú inak, čas sa stáva súčasťou vizuálneho zážitku z diela.

Najväčšie napätie, ktoré divák pri pohľade na tieto obrazy cíti, spočíva v tom, že nás vyzývajú k vnímaniu istého zastúpenia – či už krajiny alebo interiéru – no zároveň si zachovávajú jasnú abstraktnú rovinu. Ich žiarivé farby, vyškrabané povrchy a vystupujúce časti doslova bijú do očí, a tak je prvý dojem z tejto série mixed-media najmä silné prepojenie farby, kovového podkladu, kovových prídavných prvkov a rôznych zložitých procesov (maliarskych aj „metalurgických“), ktorými umelec spojil všetko do jednotného celku.

Jediným rozpoznateľným obrazom v sérii je – výrečným spôsobom – ľudská ruka. Hromec považuje symbol ruky za veľmi dôležitý a zároveň v nej vidí najzákladnejší z nástrojov. Vždy ju však stvárňuje prostredníctvom viacerých vrstiev, čím zdôrazňuje jej vnútornú dynamiku. „Na mojich obrazoch je vždy niekoľko rúk, ktoré sa navzájom prekrývajú,“ vraví Hromec. „Dotykom ruky sa rodíme, milenci sa ňou hladia, potrasením rúk uzatvárame dohodu. Rukami dokážeme zabiť, otočiť sa, gestikulovať. Dotýkame sa. Rukou sa zatvárajú oči zosnulého.“ Abstraktní expresionisti 50. rokov vyjadrovali prítomnosť človeka prostredníctvom „živého gesta“ a Hromec sa k tejto myšlienke vracia svojím vlastným gestickým prístupom pri narábaní s farbou aj s kovom. Zároveň však túto prítomnosť zreteľne posilňuje práve zobrazením pracujúcej ruky.

Pri uvažovaní o tejto novej sérii Hromec spomína na výstavu Seven Master Printmakers: Innovations in the 1980s v Múzeu moderného umenia (MoMA) v New Yorku, ktorú navštívil v roku 1991. Obzvlášť silno naňho zapôsobili veľkoformátové grafiky Roberta Rauschenberga, rovnako aj monumentálne diela Franka Stellu, Jima Dinea, Davida Hockneyho, Jaspera Johnsa, Roya Lichtensteina a Jamesa Rosenquista. Všetky sa vyznačovali monumentálnym formátom a intenzívnou farebnosťou – a práve to umožnili technologické pokroky (v metalurgii a výrobe farieb) za uplynulú dekádu. Viedli totiž k zväčšeniu rozmerov platní a tlačiarenských strojov, ako aj k výrobe nových, jasnejších farieb. Mnohí umelci zároveň začali dokončené tlače ručne dotvárať – farbou, kresbou, šúchaním, kolážou. V každom prípade takto umelci úzko spolupracovali s intuitívnymi a inovatívnymi tlačiarmi, ktorí im pomáhali diela vytvoriť.

Hromec však, na rozdiel od týchto umelcov, s tlačiarmi nepracuje. On sám je tlačiarom. Zároveň je maliarom a mixed-media umelcom. A hoci pri tvorbe svojich diel používa viaceré techniky hĺbkotlače – mechanicky ryje a brúsi platne – robí najradikálnejší krok od tradičného procesu tlače: svoje platne na konci nepreženie tlačiarenským lisom. Namiesto toho sama platňa slúži ako „plátno“ a každé dielo je jedinečným umeleckým dielom. Výsledkom je tvorivá interakcia medzi tradičnými tlačovými technikami a voľným, maliarskym, mixed-media prístupom.

V sérii Inside a Time Capsule Hromec akoby naznačoval, že život v našej dobe je životom bez istoty. V umení rovnako ako v politike sa staré poriadky rozpadávajú a nový, definitívny poriadok sa ešte len rodí; zatiaľ žijeme v napätí a chaose. No v tomto období nestability je zároveň veľká príležitosť pre jednotlivca – pre jeho ruky i myseľ – skúmať svet s omnoho väčšou slobodou a objavovať krásu novými spôsobmi.

Rick Kinsel
New York, 2017