INTERVIEW WITH ROBERT HROMEC
He was born in 1970 and graduated in Painting from Hunter College, New York (1998) and in Printmaking from City College of New York (1995). He studied fine arts at the Pratt Institute (1990-1991). He was awarded a scholarship to the Slade School of Fine Art in London, and in 2002, he received a BA in Art from the Slovak Technical University in Bratislava. In New York, he experimented with various techniques until he reached his own language, which he calls “printpainting.” His award-winning work has been shown in over seventy exhibitions in the United States, Canada and Europe. In the summer of 1997, one of his paintings was included in a group exhibition at the Metropolitan Museum of Art in New York. He lives and works in Bratislava.
In Rebirth IV, the winning work of the “Aluminum, Beneath the Surface” edition of the COMEL Award, you engraved, scratched, and painted on aluminum. What was it like working with this material? Had you experimented with it before? When did you realize it could be an excellent substitute for canvas and paper?
My first encounter with aluminum plates was around 1990, while attending printmaking classes at the Pratt Institute and City College of New York. There, I made numerous lithographs from aluminum plates instead of using the traditional limestone …. Once these aluminum plates were printed out, I washed and stored them in my studio.
The used-up plates were of gray background color with black images.…The subtle qualities of these recognizable images intrigued me, so I began to use them as a base for my print painting work. Around 2000, I made my first print paintings using these used lithograph aluminum plates in place of canvas.
In the first aluminum-plate paintings, the imagery was bitten into the plate via lithographic processes created ghost imagery that I chose to incorporate into the new painting on aluminum.
More recently, however, I have chosen to work with fresh, clean, unused, and industrially polished aluminum plates. This time, I create even more dramatic effects by using various printmaking-related techniques: I sand the plates, scratch the plates, drill into the plates, and buff, gouge, and stamp the plates with various tools, doing so even as I build up acrylic and shellac paint surfaces on the aluminum.
The jury of the COMEL Award, in naming you the winner of the 11th edition, highlighted in their statement: “While the overall expressive framework recalls established registers of post-war informal art, the multifaceted and skillful intervention on aluminum represents an absolute, inspired innovation.” What artistic models and masters have most influenced and inspired you?
In my work I uncover the broader and deeper range of possibilities of processing the material in a more extensive range of reflections on passing of time, seeking the inner harmony and restlessness, intermingling of present and past. There are visible (mostly deliberate) references to the Renaissance painting, Baroque pomposity or American painting of the 1950s, as well as the inspiration by Frank Stella´s paintings, however, the outcome is a clearly distinguishable, strange disquieting work seeking its place in today´s world full of contradictions.
Using an aluminum plate as a base with its surface treatment adds depth to the painting, brings light inside, creates optical illusions and reflections, resembling another dimension and luminosity. The aluminum plate is sanded, scratched, drilled, polished, and stamped with various tools. Rough and gestural brushstrokes depict today’s chaotic world, contrasting with the outlined images of hands that represent harmony and peace, referring to the pursuit of unity between body and soul, typical of the art of Antiquity and the Renaissance.
The Rebirth cycle celebrates renewal. The explosion of colors, which has always been a hallmark of your work, is even more pronounced, as if a primordial magma of art could give rise to your new path. Can you tell us more about this?
It is my new vibrant journey of colors tied to a new opportunity to understand life. This moment of a new beginning is my “Rebirth,” expressed in a lively and often smiling way.
This vibrant new journey is the balm of life, emphasizing the importance of maintaining a happy state of mind to face difficult moments and overcome them. “Rebirth” moves fluidly between inside and outside, open and closed at the same time, curious and eager to embrace the complexity and variety of life, on all levels where it unfolds.
Throughout your artistic journey, the human figure has always been significant and present—not naturalistic but consistently stylized. In your most recent works, the Rebirth cycle, where hints of hands and eyes appear frequently, the figure seems even more fragmented. What does the human body represent for you, especially the parts you depict most often?
I enjoy constructing my images using a variety of techniques blended with printmaking. This layering and overlapping bring many surprises. Human figures are the focus of my work. I position them in interaction with each other, as well as within themselves and with the surrounding world. Through the exploration of texture and the human body, I seek to make visible a dynamic balance between the mundane and the otherworldly, represented by a continuity that encompasses the human being, the world, and the spirit. In my works on aluminum plates, one can find many distinct opposites both in terms of ideas and artistic means of expression: chaos ↔ harmony, beginning ↔ end, abstract painting ↔ realistic details of human body parts.
The fragments of the human body—faces, hands, eyes and feet—are understood as the way to the viewer and at the same time as the way into the interior of the picture. These fragments are also symbols with their own calligraphic specificity; they retain their mysteriousness, as a secret desire for a secret mythical figure. The printed images of hands emerging from the surface are found in close proximity to the viewer. They serve as anchors amid chaos and instability, representing a passage into the image. They also symbolize faith in humanity and a reflection of our era. The symbolic meaning of hands represents strength, power, and protection, as well as a way of communicating, generosity, hospitality, and assistance. The act of “shaking hands” symbolizes both greeting and business agreement. When we are born, our first experience with life is the touch of hands, and when we die, the last farewell to life is also the touch of the hands of our family.
Looking at the pictorial cycles that have marked your career, there is a noticeable inner, spiritual search with nods to philosophy and myth—a storytelling and epic vein that accompanies the explosion of colors. Is art for you a tool to explore and understand the world around you, or a way to narrate your inner world?
My paintings are about the psychological, emotional and physical dynamics of people. The work is ultimately about my own interaction with the materials I utilizes and about the joy of process. My sources of inspiration run deep. I am not certain where to place myself within a certain lineage of art history – nodding to collage, assemblage figurative Expressionism, or vainly reaching to bring in the tone of Rilke or Kundera would help one to understand more fully my endeavor .This love of tangible is what allows me to approach my work with freshness and honesty, pushing forward. My care of the process is apparent in my work, which strives to capture, exalt express and make tangible the absolutely intangible essence of what it means to be human.
One of my favorite authors, Herman Hesse, in his premier work, The Glass Bead Game, wrote, “…from a certain standpoint ordinary people can more easily and less responsibly express in words things that do not exist rather than those which do, whereas for a saintly and conscientious writer it is completely the reverse: Nothing evades verbal expression more, and yet nothing is more necessary than to place before people’s eyes things whose existence is not provable nor probable, since because saintly and conscientious people deal with them as if they did exist, they bring them one step closer to being, and to the possibility of their birth.”
“Art teaches nothing except the significance of life.” Henry Miller
Your education and career have been cosmopolitan. How has traveling influenced your approach to art? What have you taken from each country you’ve visited, and how have you poured it into your work? In particular, since you’ve frequently exhibited here, what is your relationship with Italy and its culture?
Over time, I have refined my artistic language, influenced by the countries I have visited. As a student, I spent more than eight years attending university in New York, worked at the Metropolitan Museum of Art, and spent several months in London. As an artist, I have exhibited my paintings in many countries around the world. All this has certainly left a mark on my art.
In New York my studio nested in the center of New York City, with Times Square seen from the windows. By viewing a large amount of my works there at once, standing amidst those in process, and seeing the objects I collected created a tension with quite different energy of the life just outside my studio. Even though many of materials I used in my paintings were from New York, there was a quality I brought to my work that was carried across an ocean, something ancient, linked to a long lineage. It was precisely the quality of my craft, the time involved in its process, the painted layers and repeated imagery in my work which made me think of the residues of history. As an artist, I have always had a special fondness for Italy. I first came to Italy almost 37 years ago with my parents by car. I was sixteen years old, and we traveled to Florence, Bologna, Venice… We crossed half of Italy. The most important reason why I love Italy is the presence of history, art, the beauty that surrounds you, and the historic architecture found everywhere in Italy. In this beauty, life flows somewhat slowly, and I have always found this wonderful. From that moment on, I visited Italy often, and that same feeling is still there. These aspects make you feel so good that you soon return to breathe in its beauty deeply. It has become my way of life.
INTERVISTA A ROBERT HROMEC
di Ilaria Ferri
Nato nel 1970, si diploma in Pittura all’Hunter College di New York (1998) e in Incisione al City College di New York (1995). Ha studiato Belle Arti presso l’Istituto Pratt (1990-1991). Si è aggiudicato una borsa di studio alla Slade School of Fine Art di Londra, e nel 2002 e ha conseguito una laurea in Arte al Politecnico slovacco di Bratislava. A New York, sperimenta varie tecniche fino a raggiungere un suo linguaggio che chiama “printpainting”. Il suo lavoro pluripremiato è stato esposto in oltre settanta mostre negli Stati Uniti, Canada ed Europa. Nell’estate del 1997, uno dei suoi dipinti è stato incluso in una mostra collettiva presso il Metropolitan Museum of Art di New York. Vive e lavora a Bratislava.
In Rebirth IV, opera vincitrice dell’edizione “Alluminio, sotto la superficie” del Premio COMEL, hai inciso, graffiato, dipinto l’alluminio. Come è stato lavorare questo materiale? Lo avevi già sperimentato prima? Quando hai pensato che potesse essere un ottimo sostituto delle tele e della carta?
Il mio primo incontro con le lastre di alluminio risale intorno al 1990, durante le lezioni di incisione presso il Pratt Institute e il City College di New York. Lì realizzai numerose litografie utilizzando lastre di alluminio al posto della tradizionale pietra calcarea. Una volta stampate, le lastre di alluminio venivano lavate e conservate nel mio studio.
Le lastre usate avevano uno sfondo grigio con immagini nere. Le qualità sottili di queste immagini riconoscibili mi affascinavano, così iniziai a usarle come base per il mio lavoro di pittura su stampa. Intorno al 2000, realizzai le mie prime pitture su stampa utilizzando queste lastre litografiche di alluminio usate al posto della tela.
Nelle prime pitture su lastra di alluminio, l’immagine veniva incisa nella lastra attraverso processi litografici, creando un’immagine fantasma che decisi di incorporare nella nuova pittura su alluminio.
Più recentemente, tuttavia, ho scelto di lavorare con lastre di alluminio fresche, pulite, non utilizzate e lucidate industrialmente. Questa volta, creo effetti ancora più drammatici utilizzando diverse tecniche legate all’incisione: carteggio le lastre, le graffio, le perforo, le lucido, le scavo e le stampo con vari strumenti, facendo tutto ciò mentre costruisco strati di acrilico e vernice a base di gommalacca sulle superfici di alluminio.
La giuria del Premio COMEL decretandoti vincitore della XI edizione, ha sottolineato nel verbale “Se il generale quadro espressivo rimanda a registri consolidati dell’arte soprattutto informale del dopoguerra, il molteplice e avveduto intervento sull’alluminio ne costituisce una assoluta, ispirata novità”. Quali sono i modelli artistici e i maestri che più ti hanno insegnato e dato ispirazione?
Nel mio lavoro, esploro un’ampia e profonda gamma di possibilità di lavorazione del materiale, riflettendo in modo esteso sul trascorrere del tempo, cercando l’armonia interiore e l’inquietudine, mescolando presente e passato. Sono visibili (e per lo più deliberate) riferimenti alla pittura rinascimentale, alla pomposità barocca o alla pittura americana degli anni ‘50, oltre all’ispirazione dalle opere di Frank Stella. Tuttavia, il risultato è un lavoro chiaramente distinguibile, stranamente inquietante, che cerca il proprio posto nel mondo di oggi, pieno di contraddizioni.
Utilizzare una lastra di alluminio come base con il suo trattamento superficiale, aggiunge profondità alla pittura, porta luce all’interno, crea illusione ottica, riflessione, assomigliando a un’altra dimensione e luminosità. La lastra di alluminio viene levigata, graffiata, forata, lucidata e timbrata con vari strumenti. Pennellate ruvide e gestuali raffigurano il mondo caotico di oggi, mettendolo in contrasto con le immagini contornate delle mani che rappresentano armonia e pace, riferendosi alla ricerca dell’unità tra corpo e anima tipica dell’arte dell’Antichità e del Rinascimento.
Il ciclo Rebirth celebra la rinascita. L’esplosione di colori, che comunque ti ha sempre contraddistinto, è ancora più accentuata, come se da un magma primordiale dell’arte potesse nascere il tuo nuovo percorso, vuoi parlarcene?
È il mio nuovo vibrante viaggio di colori legato ad una nuova opportunità di conoscere la vita. Questo momento di nuovo inizio è la mia “Rinascità” che si esprime in modo vivace e spesso sorridente. È questo nuovo vibrante viaggio che è il balsamo della vita che sottolinea l’importanza di mantenere uno stato d’animo di felicità per reagire ai momenti brutti e riuscire a superarli.
“Rinascità” si muove fluida tra dentro e fuori e viceversa, aperta e chiusa nello stesso tempo, curiosa e desiderosa di abbracciare la complessità e la varietà del vivere, su tutti i livelli nei quali si dispiega.
Lungo il tuo percorso artistico, la figura umana è sempre stata importante e presente, mai in maniera naturalistica ma sempre stilizzata. Nell’ultima produzione, il ciclo di Rebirth, in cui sono molto presenti accenni di mani e occhi, sembra essere ancora più frammentata. Che cosa rappresenta per te il corpo umano e soprattutto le parti che raffiguri più spesso?
Mi piace costruire le mie immagini utilizzando una varietà di tecniche mescolate con la stampa. Questo sovrapporsi e stratificare porta molte sorprese. Le figure umane sono il focus del mio lavoro. Le posiziono in interazione tra loro così come all’interno di se stesse e del mondo circostante. Attraverso l’esplorazione della texture e del corpo umano, cerco di rendere visibile un equilibrio dinamico tra il mondano e l’ultraterreno, rappresentato da una continuità che abbraccia l’essere umano, il mondo e lo spirito. Nelle mie opere su lastra di alluminio si possono trovare molti opposti distintivi sia in termini di idee che di mezzi artistici di espressione: il caos ↔ l’armonia, l’inizio ↔ la fine, la pittura astratta ↔ i dettagli realistici delle parti del corpo umano.
I frammenti del corpo umano—volti, mani, occhi e piedi—sono intesi sia come un percorso verso lo spettatore, sia come un accesso all’interno del quadro. Questi frammenti sono anche simboli con una propria specificità calligrafica; conservano il loro mistero, come un desiderio segreto di una figura mitica nascosta. Le immagini stampate di mani che emergono dalla superficie si trovano nelle immediate vicinanze dello spettatore. Sono gli ancoraggi nel caos e nell’instabilità e rappresentano un passaggio all’immagine. Simboleggiano anche la fede nell’uomo e il riflesso del nostro periodo.
Il significato simbolico delle mani rappresenta la forza, il potere e la protezione oltre che il modo di comunicare, la generosità, l’ospitalità e l’aiuto. L’atto di “stringere la mano” simboleggia sia il saluto che l’accordo negli affari. Quando si nasce la propria prima esperienza con la vita è il tocco delle mani e quando si muore l’ultimo addio alla propria vita è anche il tocco delle mani della propria famiglia.
Osservando i cicli pittorici hanno caratterizzato la tua carriera, si nota una ricerca interiore, spirituale, che strizza l’occhio alla filosofia e al mito, una vena affabulatoria ed epica che si accompagna a colori che esplodono. L’arte per te è uno strumento per indagare e conoscere ciò che ti circonda o un modo per raccontare il tuo mondo interiore?
Le mie opere esplorano le dinamiche psicologiche, emotive e fisiche delle persone. In definitiva, il lavoro riguarda la mia interazione con i materiali che utilizzo e la gioia del processo creativo. Le mie fonti di ispirazione sono profonde e variegate. Non sono certo di poter collocare me stesso all’interno di un preciso filone della storia dell’arte—fare riferimento al collage, all’assemblaggio, all’Espressionismo figurativo, o azzardare un parallelo con il tono di Rilke o Kundera potrebbe aiutare a comprendere meglio la mia ricerca. Questo amore per il tangibile è ciò che mi permette di affrontare il mio lavoro con freschezza e onestà, spingendomi sempre oltre. La cura per il processo è evidente nel mio lavoro, che cerca di catturare, esaltare, esprimere e rendere tangibile l’essenza assolutamente intangibile di cosa significa essere umani.
Uno dei miei autori preferiti, Hermann Hesse, nel suo capolavoro Il gioco delle perle di vetro, scrisse:
«…da un certo punto di vista, le persone comuni possono esprimere più facilmente e meno responsabilmente a parole cose che non esistono piuttosto che quelle che esistono, mentre per uno scrittore santo e coscienzioso è completamente il contrario: nulla sfugge all’espressione verbale più di ciò che è necessario, eppure nulla è più necessario che porre davanti agli occhi delle persone cose la cui esistenza non è dimostrabile né probabile, poiché, trattando queste cose come se esistessero, le avvicinano un passo di più all’essere e alla possibilità della loro nascita.»
“L’arte non insegna nulla, tranne il senso della vita.” Henry Miller
La tua formazione e la tua carriera sono cosmopolite, quanto il viaggiare ha influito sul tuo modo di fare arte? Che cosa hai portato con te da ogni Paese che hai visitato e cosa hai riversato nelle tue opere? In particolare, dato che hai esposto spesso qui, qual è il tuo rapporto con l’Italia e la sua cultura?
Ho perfezionato nel tempo il mio linguaggio artistico, influenzato dai paesi visitati. Da studente ho trascorso più di 8 anni frequentando l’università a New York, ho lavorato al Metropolitan Museum of Art, ho trascorso alcuni mesi a Londra. Come artista ho esposto i miei quadri in molti paesi del mondo. Tutto questo ha sicuramente lasciato un segno nella mia arte.
A New York, il mio studio era situato nel cuore della città, con Times Square visibile dalle finestre. Guardando una grande quantità delle mie opere contemporaneamente, trovandomi in mezzo a quelle in fase di realizzazione e osservando gli oggetti che avevo raccolto, si creava una tensione con l’energia completamente diversa della vita appena fuori dal mio studio. Anche se molti dei materiali che utilizzavo nei miei dipinti provenivano da New York, c’era una qualità che portavo nel mio lavoro, attraversando un oceano, qualcosa di antico, legato a una lunga tradizione. Era proprio la qualità del mio mestiere, il tempo coinvolto nel processo, gli strati di pittura e le immagini ripetute nel mio lavoro a farmi pensare ai residui della storia.
Come artista ho sempre avuto una predilezione per l’Italia. Sono venuto in Italia per la prima volta quasi 37 anni fa con i miei genitori in macchina. Avevo sedici anni, andavamo a Firenze, Bologna, Venezia… Abbiamo attraversato mezza Italia. l’aspetto più importante del motivo per cui amo l’Italia è la presenza della storia, dell’arte, la bellezza che ti circonda e l’architettura storica che si trova ovunque in Italia. In questa bellezza la vita scorre in qualche modo lentamente. E questo l’ho sempre trovato meraviglioso. Da quel momento ho visitato molto l’Italia e la stessa sensazione è ancora lì. Questi aspetti ti fanno sentire così bene che torni presto a respirarne profondamente la bellezza. È diventato lo stile della mia vita.
